在我的记忆长河中，京剧就像一颗璀璨的明珠，而袁世海先生则是这颗明珠上耀眼的光芒。从小，我就沉浸在京剧的世界里，袁世海先生的演出陪伴我度过了无数个难忘的时光。那些精彩绝伦的表演，如同电影般在我的脑海中不断放映，随着年龄的增长和知识的积累，我对他的艺术理解也愈发深刻。
每一次回忆起袁世海先生，他那丰富多彩、生动鲜活的舞台形象便立刻浮现在我的眼前。他仿佛有一种魔力，能够将每一个角色都演绎得淋漓尽致，让观众们仿佛置身于那个特定的时代和情境之中。无论是勇猛豪爽的张飞，还是奸诈多疑的曹操，亦或是粗中有细的鲁智深，他都能信手拈来，且演绎得入木三分，让人拍案叫绝 。
在他塑造的众多经典角色里，马谡这个人物给我留下了极为深刻的印象。那是一个充满悲剧色彩的角色，而袁世海先生却通过自己精湛的演技，赋予了马谡灵魂和生命，让这个角色在舞台上焕发出独特的魅力，也让我对京剧艺术的表现力有了全新的认识和感悟。
展开剩余88%那是上世纪 70 年代末，一个偶然的机会，让我有幸见证了一场京剧艺术的巅峰对决 —— 袁世海先生与李和曾先生共同拍摄舞台艺术片《斩马谡》 。得知这个消息时，我内心的激动简直难以言表，早早地便来到了拍摄现场，期待着这场视听盛宴的开场。
当袁世海先生和李和曾先生走上舞台的那一刻，整个片场瞬间安静了下来，所有人都屏住呼吸，仿佛时间都为他们停止了。我站在离舞台最近的地方，眼睛一眨不眨地盯着他们，生怕错过任何一个精彩的瞬间。袁世海先生饰演的马谡，一亮相便气场十足，他那挺拔的身姿、坚定的眼神，将马谡的自信与骄傲展现得淋漓尽致。而李和曾先生饰演的诸葛亮，更是将那种足智多谋、沉稳大气的气质演绎得入木三分，两人之间的对手戏，可谓是火花四溅，让人看得如痴如醉。
在京剧的艺术殿堂里，每个行当都有着独特的魅力和挑战，而净行中的花脸哭戏，更是难上加难，堪称京剧表演艺术中的一道高难度关卡。
与其他行当相比，花脸哭戏在舞台上出现的频率相对较低。旦角虽然也有哭戏，但她们的表演风格较为细腻委婉，更注重通过面部表情和身段动作来传达情感 。而花脸则不同，他们的唱腔洪亮粗犷，动作幅度较大，一旦哭起来，稍有不慎就会显得过于夸张或失去美感，让观众难以产生共鸣。
花脸哭戏的难点首先在于如何把握哭的分寸。哭是一种情感的宣泄，但在京剧舞台上，这种宣泄必须要恰到好处，既不能过于含蓄，让人感觉不到角色的悲痛；也不能过于直白和强烈，破坏了京剧表演的艺术美感。要在这两者之间找到一个平衡点，需要演员具备深厚的表演功底和对角色的深刻理解。
哭戏的发声和唱腔也是一大挑战。花脸的唱腔通常以宽音和假音为主，讲究的是 “气沉丹田”“声如洪钟” 。而在哭戏中，既要保持花脸唱腔的特色，又要表现出悲痛欲绝的情感，这对演员的发声技巧和气息控制能力提出了极高的要求。演员需要运用特殊的发声方法和呼吸技巧，将哭声与唱腔完美融合，让观众在欣赏唱腔的同时，也能深刻感受到角色内心的痛苦。
在《斩马谡》中，孔明传令将马谡押上军帐的那一刻，紧张的气氛瞬间弥漫开来。两人用急切的 [快板] 展开对唱，那紧凑的节奏、铿锵有力的唱腔，如同一连串密集的鼓点，敲打着观众的心弦。
孔明的斥责之声，充满了愤怒与痛心，每一个字都仿佛蕴含着千钧之力：“大胆马谡，你不遵军令，执意山顶扎营，致使街亭失守，损兵折将，你可知罪？” 他的眼神如炬，紧紧地盯着马谡，仿佛要将他的灵魂看穿。马谡则低着头，满脸懊悔，声音中带着一丝颤抖：“丞相，末将知罪。皆因末将刚愎自用，不听您的吩咐，也不听王平将军的劝告，才酿成了如此大祸，末将愿以死谢罪。” 他的身体微微颤抖着，双手紧握，似乎在极力克制着内心的恐惧和悔恨。
这段 [快板] 对唱，不仅展现了孔明与马谡之间激烈的矛盾冲突，也让观众们感受到了剧情的紧张和危机四伏。两人的唱腔你来我往，互不相让，将那种剑拔弩张的氛围渲染得淋漓尽致 。
随着对唱的深入，马谡的唱词逐渐转为认罪自责、甘愿伏法。他的每一句唱词，都像是一把沉重的锤子，狠狠地砸在自己的心上 。
“不该军状先立下，不该山顶把营扎。转瞬之间来攻打，因此把街亭就失落它。” 马谡的声音中充满了悔恨和无奈，他仿佛在回忆着自己犯下的错误，每一个细节都让他痛苦不堪 。而孔明在听到马谡的认罪后，心中的愤怒依然难以平息，但他也深知军法如山，不能因为个人情感而偏袒马谡 。于是，他果断地唱道：“吩咐两旁刀斧手，快将马谡正军法！” 这一声令下，如同一道晴天霹雳，让整个军帐都为之震动 。
马谡听到孔明的命令后，并没有丝毫的反抗，而是默默地站起身来，准备接受命运的审判 。他的眼神中充满了绝望，但同时也有着一丝解脱，仿佛在这一刻，他终于放下了心中的包袱 。就在马谡即将被押出军帐的那一刻，袁世海先生的表演达到了高潮。只见他猛地抬起头，两目圆睁，双眉逐渐蹙紧，脸上的肌肉微微抽搐着，仿佛在极力压抑着内心的痛苦 。
此时，打击乐突然重击一锣，那一声巨响，如同一声惊雷，打破了现场的寂静 。紧接着，乐队放出了弹拨乐，那悠扬而又悲戚的乐声，如同一股清泉，缓缓地流淌进观众的心中 。在乐声的烘托下，马谡发出了悲戚的抽搐声，那声音仿佛是从他灵魂深处发出的，充满了无尽的痛苦和绝望 。然后，他用缓慢悲怆的声音唱出了 “忽然想起年迈妈” 。
唱到 “妈” 字时，袁世海先生的音量陡然增大，声腔也变得更加悲哀 。那厚重的声音，如同放开了闸门的大水，汹涌澎湃地倾泻而下，撞击着观众的心灵 。他的身体微微前倾，双手微微抬起，仿佛在向远方的母亲诉说着自己的思念和悔恨 。
他的脸上满是泪痕，眼神中充满了对母亲的牵挂和不舍 。那一瞬间，观众们仿佛看到了一个即将赴死的儿子，在生命的最后一刻，对母亲的深深眷恋 。袁世海先生通过这一哭腔表演，将马谡内心的痛苦和情感展现得淋漓尽致，让每一个观众都为之动容 。
在这段表演中，袁世海先生不仅展现了马谡思母、孝母的深切亲情，同时也将马谡内心的绝望与悔恨之情表现得入木三分 。当马谡唱出 “忽然想起年迈妈” 时，他的脑海中或许浮现出了母亲那慈祥的面容，想起了母亲对自己的谆谆教诲 。他深知自己即将赴死，再也无法报答母亲的养育之恩，这种深深的愧疚和不舍，让他的内心充满了痛苦 。
他也对自己的错误感到无比的悔恨 。他后悔自己的刚愎自用，后悔自己不听从诸葛亮和王平的劝告，导致街亭失守，不仅辜负了诸葛亮的信任，也让无数士兵失去了生命 。这种悔恨和自责，如同毒蛇一般噬咬着他的内心，让他痛不欲生 。
袁世海先生通过精湛的表演，将这些复杂的情感交织在一起，让观众们深刻地感受到了马谡内心的挣扎和痛苦 。他的表演不仅仅是一种艺术的呈现，更是对人性的一种深刻解读 。在他的演绎下，马谡不再是一个简单的京剧角色，而是一个有血有肉、充满情感的真实人物 。他的每一个动作、每一个表情、每一句唱腔，都仿佛在诉说着一个动人的故事，让观众们沉浸其中，难以自拔。
袁世海先生之所以能成为京剧界的一代宗师，不仅仅在于他在舞台上的精彩演绎，更在于他对表演艺术的深刻理解和不懈追求。他常说：“没有情演不好戏！” 这句话，既是他的艺术信条，也是他一生表演生涯的真实写照 。
在袁世海先生看来，每一个角色都是一个独特的个体，都有着自己的性格、情感和命运 。要想将这些角色演绎得生动鲜活，就必须深入挖掘他们的内心世界，用真情实感去诠释每一个角色 。他在表演时，不仅仅是在模仿前人的表演方式，更是将自己对角色的理解和感悟融入其中，赋予角色新的生命力 。
以他饰演的曹操为例，传统的曹操形象往往被塑造成一个纯粹的奸臣，脸谱也以白色为主，突出其奸诈的一面 。但袁世海先生却不这么认为，他通过研读《三国演义》等历史资料，对曹操这个人物有了更全面、更深刻的认识 。他觉得曹操不仅仅是一个奸臣，更是一位有着雄才大略的政治家、军事家，同时还是一位才华横溢的诗人 。
基于这样的理解，袁世海先生在表演曹操时，大胆地对脸谱进行了改革，在传统的 “白脸末” 曹操的面颊上淡淡地涂上了一点红色，使曹操的形象变得更加生动、亲切 。他在表演中，也注重展现曹操的多面性，既表现出他的奸诈和多疑，又展现出他的果断和智慧 。在《群英会》中，曹操在蒋干盗书后误杀蔡瑁、张允的那场戏，袁世海先生的表演堪称经典 。他通过细腻的表情和动作，将曹操在发现自己中计后的懊悔、愤怒以及为了掩饰自己的失误而迁怒于蒋干的复杂心理，表现得淋漓尽致，让观众看到了一个真实的曹操 。
袁世海先生在表演传统戏时，从不满足于简单地重复前人的表演，而是不断地进行创新和突破 。他会根据自己对角色的理解，对剧本、唱腔、表演动作等进行精心的设计和调整，力求将每一个角色都演绎得更加完美 。在《盗御马》中，他对窦尔墩的唱腔和表演进行了创新，使这个角色更加生动、立体 。他还在一些剧目中加入了自己的创作元素，如在《李逵探母》中，他为李逵设计了一段 “哭娘” 的反二黄唱段，这段唱词情感真挚，悲怆动人，成为了该剧的经典唱段之一 。
袁世海先生的创新精神并不仅仅体现在对传统戏的改编上，他还积极参与现代戏的创作和演出 。在那个特殊的时代背景下，他勇敢地尝试将京剧艺术与现代生活相结合，为京剧的发展开辟了新的道路 。在《红灯记》中，他饰演的鸠山一角，既保留了京剧的传统表演特色，又融入了现代话剧的表演元素，将鸠山的阴险狡诈、老谋深算表现得入木三分，成为了现代戏中的经典角色之一。他的这种创新精神，不仅为京剧艺术的发展注入了新的活力，也为后来的京剧演员树立了榜样。
发布于：北京市168配资提示：文章来自网络，不代表本站观点。
